les sculptrices & sculpteurs 2026
Retrouvez ici les biographies des artistes exposant des sculptures ou des installations durant Art en Plein Air 2026, ainsi que les descriptions de leurs œuvres.
Les textes, transmis par les artistes, ont fait l’objet d’un travail éditorial visant à en préserver l’esprit tout en en assurant la clarté et la fluidité de lecture.
les artistes
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Jod
adrian buetikofer
biographie
Né en 1960 à Kirchberg (BE), il façonne son regard au fil d’un parcours singulier, naviguant d'abord entre le dessin technique et l’électricité. Les années 1980 marquent un tournant : il s'initie aux arts visuels auprès de sculpteurs sur fer bernois et explore les dialogues secrets entre le bois et le métal. Grand voyageur, ses pas le mènent du Maroc aux Philippines, tandis qu'il devient instructeur de plongée en 1986. C’est dans le silence des profondeurs marines et l’immensité du monde que son besoin de trouver son propre langage artistique s’intensifie. Artiste indépendant et autodidacte depuis 1998, membre de Visarte, ce chercheur infatigable insuffle à ses sculptures une dimension profondément humaniste et philosophique, où l’art devient un vecteur de lien et de réflexion sur notre société.
les œuvres exposées
« Construire des ponts – les ponts construisent »
Plus qu'une sculpture, cette installation est un manifeste vivant de l'altérité. Conçu par l'artiste, ce pont a été bâti en quatre jours par un groupe de personnes issues de cultures et d'horizons divers. Au-delà de l'ouvrage technique permettant le passage, l’œuvre devient une métaphore poétique de l'intégration et de la rencontre. Cette aventure collective et humaine invite le public à jeter des ponts plutôt qu'à les couper, célébrant la richesse de la diversité et l'importance d'aller vers l'autre pour mieux le comprendre.
« Verrückte Welten »
Cette œuvre tridimensionnelle aborde avec une immense sensibilité le sentiment d'isolement et d'exclusion au cœur d'une société en perpétuel mouvement. Prenant la forme d'une maison — qui symbolise ici le sanctuaire de nos pensées —, la sculpture désarçonne le regard. Ses murs semblent s'affranchir des angles droits traditionnels, tandis que ses portes et fenêtres sont scellées de l'intérieur, coupant tout dialogue avec le monde. À distance, les lattes des parois et du toit créent un effet moiré saisissant, capturant ce moment fragile où la frontière entre réalité et irréalité s'estompe. Une œuvre puissante qui résonne comme un rappel poétique et nécessaire : celui de prendre soin de nos semblables et de garder le lien vivant.
coordonnées
andrea dora wolfskämpf
biographie
Andrea Dora Wolfskämpf, née au nord de l'Allemagne, vit sur la Riviera vaudoise depuis plus de 30 ans et travaille dans son atelier à Montreux. Après des études de théâtre à l’Université de Vienne, elle poursuit ses études dans les Académies d'Art de Düsseldorf et de Brême et travaille pour divers théâtres et festivals européens. Ses œuvres sont souvent de grand format, expressives et fortes en couleurs … des personnages, des animaux fictifs et esquissés apparaissent dans des espaces colorés, errent dans des paysages abstraits et recherchent le contact avec leurs spectateurs. Andrea Dora expose régulièrement dans diverses galeries et musées à Lausanne, Montreux, Gstaad, Vevey, Bern, Yverdon-les Bain et Berlin, entre autres. Elle est membre de Visarte Vaud et présidente de Private P'Arts, une association basée à Montreux qui organise régulièrement des expositions et des ateliers portes ouvertes. Avec sa créativité constante et son style expressif, Andrea Dora a trouvé sa place dans le monde de l’art.
l’œuvre exposée
« Raiponce, Raiponce »
Raiponce, Raiponce, laisse tomber tes cheveux ! Les vestiges d’un château, une tour … Les circonstances invitent à penser aux comtes ! Mais c’est qui, Raiponce ? Une jeune fille de 12 ans, promise comme bébé à une sorcière, enfermée dans une tour pour être à l'abri des regards des prétendants. La seule chose que l’on sait d’elle: elle a des cheveux magnifiques, longs de 21 mètres ! Ils étaient le symbole de sa captivité, le seul lien avec le monde extérieur. La magie n'était pas un don… c'était une laisse déguisée en beauté. Le désir a libéré Raiponce, simplement… Une fois que le prince et Raiponce eurent surmonté plusieurs épreuves, leur amour devint réalité… Et s'ils sont encore en vie, ils s'aiment toujours aujourd'hui ! Installation, crée pour Art en Plein Air 2026.
Matériaux divers récupérés, couleurs acryliques et spray aérosol.
coordonnées
www.facebook.com/andrea.wolfskampf
www.instagram.com/andreadorawolfskaempf
Châtaigniers 25, 1815 Clarens
+41 79 289 13 08
andreae créations
biographie
Fils d'agriculteur né en 1958, il s'est d'abord consacré à la terre en reprenant le domaine familial à 22 ans. Lorsqu'en 1998, des soucis de santé le forcent à réinventer son quotidien, ce travailleur manuel et père de quatre enfants trouve dans l'art une nouvelle forme d'expression. Depuis, sa créativité est sans limites. Il façonne un bestiaire imaginaire et des objets uniques, se laissant porter par son inspiration ou créant sur commande d'après photos.
l’œuvre exposée
« Couple d’autruches avec leurs petits »
Composée à partir d'éléments de récupération industrielle, cette sculpture donne vie à une famille d'autruches stylisées. Les silhouettes rondes des oiseaux naissent du détournement d'anciennes citernes à gaz et de cuves d'air comprimé. Entre la force brute du métal et la douceur du thème, l'œuvre dégage une tendre poésie, jouant avec malice sur le contraste des matières.
coordonnées
Dominique Andreae
Route de Curtilles 2, 1683 Chesalles
www.facebook.com/p/Art-Métal-100066823933626
+41 79 206 76 36
art'chifoumi (collectif)
biographie
Le collectif Art’chifoumi fait dialoguer les matières et les imaginaires. À Cully, Béatrice et Christophe Richoz (L’Atelier Enchanté) s'approprient le papier et le carton qu'ils subliment pour poser un regard neuf sur notre environnement. À Ferlens, Valérie Goumaz et Christophe Bourdinaud, duo de décoratrice et sculpteur sur pierre, se laissent guider par leur curiosité pour explorer l'art pictural et l'éphémère. Réunis au sein d'un même élan créatif, ils unissent leurs talents pour réveiller la poésie des paysages.
l’œuvre exposée
« Forêt coeur »
Imaginez une main de pierre émergeant du sol pour offrir un cœur. Autour de ce point d'ancrage minéral, une constellation de cœurs de toutes matières prend vie, certains oscillant sur des tiges de métal, d'autres flottant dans la ramure des arbres. Cette « Forêt cœur » invite le public à une déambulation magique. Derrière la poésie visuelle de cette installation éphémère se cache un message vibrant : celui de la propagation de l’amour, de la bienveillance et de la solidarité.
coordonnées
cAZenave
biographie
Artiste contemporain autodidacte et profondément engagé, Bertrand Cazenave explore les liens indéfectibles qui unissent l’art, la nature et notre responsabilité écologique. Guidé par l’urgence des bouleversements environnementaux, il façonne depuis plusieurs années une œuvre singulière où le détournement de la matière et la lumière tiennent une place centrale. Ses installations poétiques naissent du glanage et du recyclage, métamorphosant des matériaux délaissés, tels que les plastiques et rebuts marins, en véritables apparitions artistiques. Soutenu par de nombreuses communes suisses, son travail transforme l’espace public en un lieu de sensibilisation sensible, offrant au public des expériences immersives où l'esthétisme devient le vecteur d'un éveil des consciences.
l’œuvre exposée
« Les souffles silencieux »
Au cœur de cette installation immersive, une méduse géante d’un mètre cinquante de haut s’élève comme un astre marin, douce et lumineuse. Autour d'elle, une constellation de créatures plus petites flotte dans l'espace, patiemment façonnée à partir d’ampoules usagées et de bouées abandonnées. Ces sculptures marines, d'une infinie légèreté, portent en elles la mémoire de nos déchets industriels tout en célébrant la grâce du vivant. Loin d'être inquiétante, cette œuvre contemplative invite plutôt à un émerveillement conscient. En métamorphosant la fragilité des profondeurs océaniques en une poésie lumineuse, Bertrand Cazenave signe ici une ode vibrante à une écologie sensible et partagée.
coordonnées
Bertrand Cazenave
www.facebook.com/ArtisanduLustre
www.instagram.com/bertrand_cazenave
Avenue de Rhodanie 62, 1007 Lausanne
+41 79 904 43 68
christoph rihs
biographie
Né en 1957 à Beyrouth (Liban), Christoph Rihs est un artiste suisse vivant et travaillant à Berne. Formé à l’Académie des beaux-arts de Düsseldorf auprès de Christian Megert (1980-1986), il bénéficie très tôt de distinctions, dont une bourse fédérale suisse (1982) et une résidence à l’Institut suisse de Rome (1983-84). Son travail, mêlant sculpture, installation et image, explore les relations entre nature, mémoire et systèmes de représentation.
Lauréat de plusieurs bourses en Allemagne et en Suisse, il enseigne à Düsseldorf puis à l’Université Bauhaus de Weimar. Des résidences internationales (Corée, Le Caire) enrichissent sa pratique. Depuis les années 1990, il expose largement en Europe et à l’international, avec de nombreuses expositions personnelles, notamment au Centre PasquArt (Bienne), à Metz ou à la Kunsthalle de Karlsruhe, ainsi que des projets récents en Suisse, dont « Ghost Tree III » (2026).
l’œuvre exposée
«Pétasites »
Une nouvelle installation in situ de Christoph Rihs se met à transformer les vestiges médiévaux du Château de Bossonnens en un dialogue entre la persistance biologique et la mémoire architecturale. En faisant écho au système racinaire interconnecté de la plante avec les couloirs cachés de la forteresse, la sculpture évoque la grandeur perdue du site tout en mettant en lumière les réseaux souterrains qui soutiennent à la fois la flore et l’histoire.
Chaque élément distinct reste lié à une structure de soutien plus large, reflétant une communauté maintenue par l’interdépendance. Face aux murs de pierre fragmentés, l’œuvre oppose les cycles botaniques aux couches historiques, invitant le spectateur à ne plus voir la forteresse comme un reliquat statique, mais comme un écosystème vivant où nature et histoire évoluent continuellement.
coordonnées
rihs.weebly.com/current.html
www.instagram.com/christophrihs
30 Marienstrasse, 3005 Bern
+41 77 407 05 57
christoph.rihs@gmail.com
claire ochsner
biographie
Claire Ochsner est une sculptrice suisse, célèbre pour ses formes colorées et uniques, en particulier celles avec des parties mobiles. Passionnée de peinture et de sculpture depuis son enfance, elle a terminé ses études de mathématiques puis s’est consacrée aux beaux-arts, fréquentant des académies à Zurich, Bâle et Amsterdam. Au début, elle travailla dans des livres illustrés pour enfants, puis dans la peinture et le graphisme, mais elle commença rapidement à construire des sculptures grandes et petites ainsi que des mobiles. Elle est membre de l’organisation professionnelle suisse d’artistes Visarte, et de 2007 à 2014, elle a été membre de la Basellandschaft Art Commission.
Son œuvre se concentre sur de grandes sculptures colorées, dont beaucoup bougent et changent constamment de forme, alimentées par des énergies renouvelables (éolien, eau ou solaire). Chaque œuvre, avec ses couleurs éclatantes, ses formes organiques, ses mouvements vivants et sa légèreté flottante, est conçue pour attirer l’observateur enchanté dans un monde magique, éveillant une légèreté facilement oubliée dans notre société contemporaine bien remplie.
En collaboration avec des artisans exceptionnellement qualifiés pour fabriquer ses sculptures, Ochsner les construit à partir de matériaux contemporains tels que le métal, le polyester renforcé de fibre de verre, les roulements à billes en acier inoxydable, les peintures acryliques durables et le vernis bicomposant de haute qualité.
Ochsner a reçu de nombreux prix, et ses sculptures ainsi que ses mobiles ont été installées dans des espaces publics à travers toute la Suisse. Elle a également conçu des façades de bâtiments. À l’étranger, ses œuvres sont visibles dans des pays tels que la France, le Royaume-Uni, l’Allemagne, les Pays-Bas, l’Inde, le Canada, la Chine et l’Afrique du Sud.
l’œuvre exposée
« Fantastica »
Fantastica est noire et quand même pleine de vie et de couleurs. Elle impressionne par sa grandeur de plus de trois mètres de haut. Elle semble marcher majestueusement. Son caractère est surprenant et gentil. Je l’aime.
Œuvre peinte en métal et polyester, étanche aux intempéries.
coordonnées
www.instagram.com/claireochsnerofficial
Jardin des sculptures: Rüttigasse 7, 4402 Frenkendorf
+41 61 641 10 20
claude tièche
biographie
Peintre et sculpteur, il compte à son actif une cinquantaine d’expositions et réalise plusieurs sculptures monumentales. C’est un homme de la nature, un chasseur de brumes, un amoureux des forêts. Il a beaucoup bourlingué dans son monde intérieur. « Je ne peux pas dissocier ma vie et ma peinture », explique-t-il. Impossible, en effet, de dissocier l’œuvre de l’artiste.
Le peintre et sculpteur autodidacte Claude Tièche, 78 ans, témoigne, à travers son travail, de son monde intérieur, de ses révoltes et de son inlassable quête d’harmonie. Une recherche où des traits de lumière jaillissent, fulgurants, du noir profond de ses toiles, et se déclinent dans les lignes épurées de ses créations en acier. Étincelles de vie qui en soulignent l’énigme et une indéniable dimension verticale, donnant toute sa force à la démarche.
Une posture abstraite que Claude Tièche a adoptée dans les années 1990, après avoir été confronté à une situation hors du commun. Toutes ces œuvres suivent le même chemin, un chemin de « transition » qui mène du noir à la lumière. Une bougie ne se voit pas sous le soleil : il lui faut l’obscurité pour apparaître à nos yeux. C’est là l’énigme des œuvres de Claude Tièche : un jaillissement de lumière blanche surgissant dans un ciel anthracite.
« Cette transition est un no man’s land dans lequel il faut entrer, se perdre l’espace d’un instant, s’abîmer en laissant venir le noir pour que la lumière y prenne sa source. »
l’œuvre exposée
« Dualité »
La vie naît de la dualité. Deux colonnes reliées par une pierre de château symbolisent cette union d’où jaillit l’eau (la vie) qui retourne à la terre pour la nourrir ou surgir ailleurs.
Fontaine offerte par l’Association Bossonn’Art à l'École de Bossonnens.
coordonnées
darlivânia cecilia "Darli"
biographie
Je suis née à Rio de Janeiro, où mon lien à l’expression artistique s’est tissé très tôt. Après des études d’institutrice, je me rapproche progressivement de la création, passant par le théâtre avant de découvrir l'argile, la terre en 1997. Depuis, je développe un travail en grande partie autodidacte, guidé par la matière, le geste et l’expérimentation. Installée en Suisse depuis 1999, à Bercher (VD), je poursuis ma pratique entre sculpture avec divers matériaux, dessin et peinture, dans mon atelier qui est aussi un lieu de transmission.
Depuis plus de dix ans, je me définis comme "animartiste" : à la croisée de l’animation et de l’art, j’anime des ateliers créatifs auprès de personnes âgées, où la créativité devient un espace de rencontre, d’expression et de vitalité. Entendre d’un autre être que mon travail a éveillé en lui une émotion, quelle qu’elle soit, c’est pour moi le Graal.
l’œuvre exposée
« Le cœur dans la main- la main sur le cœur »
Le cœur dans la main - la main sur le cœur.
L'être perméable, vulnérable et bienveillant.
Ouvert à l'autrement, aux autres" sont", à d'autres" font".
Comme projet : la conscience de l'unité, la curiosité de soi, et l'aventure du rapprochement inexorable de notre finitude.
Et, avant qu'elle ne soit, avoir la joie simple d'expérimenter.
coordonnées
www.facebook.com/darlivaniacecilia
www.instagram.com/darlivania.art
Rue des Jordils 39, 1400 Yverdon-les-Bains
+41 79 810 31 68
DeLaPerouze
biographie
Fils de carrossier indépendant, DeLaPerouze voit le jour en 1964 à Granges dans le canton de Fribourg, en Suisse. Dès son plus jeune âge, il baigne dans les odeurs de peintures et les vapeurs de solvants. De 1988 à 2000, fort de l'expérience acquise aux côtés de son père dans l'art de maitriser les techniques de peinture, il se forge une solide réputation dans le domaine du design sur motos et autres casques de champions. Son domaine de prédilection est l'hyperréalisme fantastique, en particulier sur les réservoirs de Harley Davidson. La création du premier atelier commun avec Sara.H dans les années 90 lui fait découvrir un monde en trois dimensions qui l'a naturellement conduit à se lancer dans la réalisation de sculptures.
Doté d'un esprit provocateur, il a développé une signature artistique inspirée d'une part par sa région mais surtout par des objets ou des concepts qu'il revisite en y apportant sa vision humoristique. Une de ses créations incontournables est la célèbre « Tétra-Vache » (inspirée par la brique de lait). Depuis une dizaine d'années, il décline cet animal à volonté pour le plus grand plaisir des collectionneurs du monde entier. Certains le qualifient d'iconoclaste, ce dont il ne se défend pas d'ailleurs. Une situation, un geste, une parole suffisent souvent à donner naissance à une idée furtive ou à un jeu de mot « imprudent ».
En parallèle, DeLaPerouze collabore avec Sara.H sur différents projets tel des parcs de sculptures accessibles aux personnes aveugles & malvoyante (www.voir-cest-toucher.ch) ou encore des parcours elfiques.
« La mission de l'art n'est pas de copier la nature, mais de l'exprimer. » H. De Balzac
l’œuvre exposée
« Mon Pote le p’lote »
Cette œuvre évoque un regard humoristique sur notre vie et notre environnement avec plusieurs lectures. Par sa forme imposante et son visage d’animal stylisé, l’œuvre suggère une présence familière, presque complice, entre tendresse et ironie.
coordonnées
Dany Perroud
Route d'Orbe 9, 1438 Mathod
+41 79 394 00 55
denis roueche
biographie
Denis Roueche, né en 1987 à Neuchâtel et originaire de Lugnez (JU), est un artiste suisse dont la pratique se déploie de manière interdisciplinaire. Diplômé d’un Bachelor de la Haute école d’art et de design de Lausanne (ECAL) en 2012, il développe un travail qui interroge les formes contemporaines de représentation et les dynamiques entre espaces, objets et contextes.
Parallèlement à sa pratique artistique, il enseigne à l’ECAL ainsi qu’à l’EPFL, où il contribue à des approches croisées entre art, design et recherche. Il est également co-fondateur de deux espaces indépendants à Neuchâtel, Le Palais et Demitour, qui participent activement à la scène artistique émergente en Suisse.
les œuvres exposées
« Château à vendre »
Annonce d’un château à vendre, comme une interrogation sur l'avenir de notre patrimoine commun.
« Canons »
Des canons en bois sont disposés çà et là, comme autant de vestiges possibles du Château de Bossonnens.
coordonnées
eggs & bitschin
biographie
Au centre de leur œuvre figurent les interdépendances entre image, texte et espace architectural. Le duo “Eggs & Bitschin” vit et travaille en Suisse. Ils ont fait leurs études
à l’école d’Art du Valais. Leur duo artistique Francine Eggs & Andreas Bitschin nait en 1992. Depuis 2006 ils créent des expositions telles que "Scheurer’s Gate", Station de métro Zoologischer Garten, Berlin ; "Etats d’âme", Parc et clinique psychiatrique Belle-Idée, HUG, Genève ; "Gleisdreieck Berlin 2012", Parc du Gleisdreieck et Ladestrasse du Deutsches Technikmuseum, Berlin ; "U-Bahnhof Bundestag Berlin 2016 / Europa", Station de métro Bundestag et espace vert entre la chancellerie et la maison Paul-Löbe, Berlin ; "Amplifications", Fondation suisse / Pavillon Le Corbusier, Paris 2023; "L’avenir du passé", Institut historique allemand (IHA/DHIP), Paris 2024.
Bourses d’atelier Paris 2023 et 2019, Lombardie 2018, Berlin 2006. Soutiens : Centre Culturel Suisse Paris, Cantons du Valais, Vaud, Genève, Thurgovie, Pro Helvetia, Fondation suisse/Pavillon le Corbusier, Fondation Jan Michalski, Fondation Oertli, Fondation Karin Abt-Straubinger. Prix d’encouragement du Canton du Valais 2010.
Publications comme éditeurs : Gleisdreieck Berlin 2012 (Jovis Verlag, Berlin) ; U-Bahnhof Bundestag Berlin 2016 | Europa (Jovis Verlag, Berlin) ; Amplifications en 2023 (édition clandestin, Bienne).
l’œuvre exposée
« Apparitions »
Notre œuvre consiste en un parallélépipède inspiré des anciennes tours du Château de Bossonnens. Les quatre côtés sont recouverts de bâches imprimées. L’installation est éclairée la nuit de l'intérieur. Nous prévoyons sur les bâches des motifs en rapport avec le lieu. Cela donne l'impression qu'une apparition d'une époque révolue depuis longtemps reprend vie dans des couleurs flamboyantes à l'intérieur des ruines de la tour.
coordonnées
eloi gigon - Lauréat du Prix Bossonn'Art 2025 🏆
biographie
Eloi Gigon (2003) vit et travaille à Berne.
Il emploie divers médiums et artifices (gadgets, trompe l’oeil, décors,…) pour immerger le public dans des challenges plus ou moins absurdes, entre fait et fiction.
Il s’intéresse à ce qui ne fonctionne pas.
l’œuvre exposée
« Gros œuvre »
Chez vous, mes chantiers creusent votre terre et relancent vos ruines, on va y arriver c’est sûr.
« Gros Oeuvre » se déploie en deux parties, une dans le champ et une sur la muraille. Le projet est né d’une réflexion autour des vestiges de Bossonnens, leur histoire et leur place dans la vie locale.
coordonnées
emmanuel perez
biographie
Emmanuel Perez s'est formé en 5 ans aux Beaux-Arts de Tourcoing (Lille, France) où il a obtenu ses diplômes d'arts plastiques et d'expression plastique. Né en 1968 en Bretagne, dans le Finistère, il nourrit son travail en se déplaçant.
Son travail se développe à travers expositions, résidences et publications en France et à l’international. Son parcours s’inscrit dans une continuité de projets présentés notamment à Lille, Marseille, Paris, Lyon, Bruxelles, Lausanne et Auckland (NZ).
Son travail prend des formes multiples — peinture, collage numérique, installation et volumes — et s’attache à explorer la présence des figures, des objets et des assemblages dans l’espace. Les œuvres ne cherchent pas à raconter un récit linéaire, mais à faire émerger des situations, des tensions et des états, à partir de juxtapositions, de déplacements et de confrontations visuelles.
Au fil des projets, Emmanuel Perez développe une pratique qui interroge la manière dont les identités, les apparences et les formes se construisent et se donnent à voir. Ses œuvres circulent entre différents registres, oscillant entre ce qui est montré, ce qui est suggéré et ce qui demeure instable.
Son travail a donné lieu à plusieurs publications et catalogues, et a été présenté dans des contextes variés, aussi bien institutionnels que privés, affirmant une recherche plastique ouverte, évolutive et attentive aux formes contemporaines de représentation.
les œuvres exposées
« Sublime »
SUBLIME MENTOR représente un bâton de non-voyant à l’échelle surdimensionnée. Par son changement d’échelle, l’objet quitte sa fonction utilitaire pour entrer dans le champ de la sculpture et de la contemplation. Cette œuvre interroge notre rapport à l’objet : ici, il n’est plus destiné à être pratiqué mais observé, sublimé par sa présence monumentale.
Symbole du cheminement et de l’incertitude, cette pièce évoque la trajectoire que l’on emprunte sans toujours savoir où elle mène. Elle fait également référence à La Parabole des Aveugles de Pieter Brueghel l’Ancien, établissant un dialogue entre fragilité humaine, guidance et expérience collective.
« La parabole des anonymes »
Dimension variable, technique mixe sur bois et bambou.
Adossés au mur, ces bâtons semblent en attente d’un geste, d’un corps ou d’un départ. Leur disposition leur confère une présence presque humaine, entre immobilité et possibilité d’action. Par cet anthropomorphisme, l’installation invite à porter un autre regard sur des objets ordinaires, capables de suggérer des histoires, des présences et des absences.
Inspirée par La Parabole des aveugles de Bruegel l’Ancien, cette pièce interroge notre manière de percevoir le monde, dans une époque où l’image occupe une place dominante. Elle propose un temps de suspension, où l’imagination et la sensibilité prennent le relais du regard.
coordonnées
www.facebook.com/manu.perez.75470316
www.instagram.com/emmanuel_perez.off
Grand-Rue 54, 1820 Montreux
+41 78 212 88 02
eva ducret
biographie
Eva Ducret, née en 1956 à Zurich, vit et travaille entre la Suisse et la France. Son parcours de formation traverse plusieurs étapes marquantes en Suisse : entre 1976 et 1978, elle suit une classe de sculpture à l’Académie d’art et du design de Lucerne, puis se forme à la F+F, école d’art expérimental de Zurich, de 1979 à 1980. Elle poursuit ensuite une formation de restauratrice pour fresques à Stans, dans le canton de Nidwald, de 1980 à 1982, avant de compléter son apprentissage aux Beaux-Arts de Zurich, dans le cadre du WBK, de 1985 à 1988.
Son travail artistique s’ancre dans une réflexion sensible sur le temps, la mémoire et la transformation. Elle décrit sa recherche comme une exploration intense de la topographie de sa vie, fondée sur l’expérience du passé et du présent, de la dualité et des reflets. Traces, respiration, mots, sons ou odeurs deviennent pour elle des déclencheurs d’images et de formes nouvelles. De ces impressions naissent des matériaux primaires, puis des séries et des univers visuels qu’elle met en scène, comme pour donner un piédestal à ces apparitions fragiles. Dans cette démarche, la symétrie, la duplication et l’écho jouent un rôle central, jusqu’à faire de la transformation le cœur même de l’œuvre.
les œuvres exposées
« Clairière »
Elle s'appelle “Clairière”, parce qu’elle est une porteuse lumineuse et dans la transparence elle nous permet de nous refléter nous-mêmes, ces jeux de lumière se retrouvent sans fin dans une transformation.
« Eruption »
“Eruption” est la dramaturgie humaine des désirs et des passions. Nous nous déplaçons en cercle sur une ligne de feu qui mène de volcan en volcan, pour observer les cratères avec crainte et curiosité face aux ténèbres qui menacent. L’essentiel se joue généralement là où nous ne pouvons pas le voir ou l’entendre, par exemple sous le sol et sur une longue période, dans le cycle éternel d’amour, de mort, de tristesse et de joie. Joel Couve (critique d’art).
coordonnées
Eva Ducret
Chemin des Pins 151, 71110 Saint-Didier en Brionnais, France
+33 6 38 85 05 51
isabelle de la touche
biographie
Artiste plurielle, Isabelle de La Touche a posé ses valises et son imaginaire dans l’atmosphère inspirante d’une ancienne résidence artistique au cœur de Romainmôtier. Si son chemin commence par la peinture, sa pratique s’est naturellement ouverte aux volumes de la sculpture, à la magie des installations et à la programmation d'événements. À travers chacune de ses expressions, elle poursuit un but unique et vibrant : créer l’émotion. Reconnue sur la scène artistique contemporaine, son œuvre a notamment été mise à l’honneur à la Galerie Rosa Turetsky lors d'Art Genève en 2023, ainsi qu'à la Biennale de Sculptures d'Hermance en 2022.
l’œuvre exposée
« Foglia »
Née d'une vision fugitive lors d'une course matinale de fin d'été en direction du lac, cette œuvre suspend le temps. Ce matin-là, l'artiste aperçoit une feuille de charme comme immobile, prisonnière d’une toile d’araignée invisible tissée entre deux arbres. Ondulant doucement au gré de la brise, la feuille danse infiniment entre ciel et eau, refusant de choir. Touchée par la beauté fragile de cet instantané capturé d'abord avec un téléphone, Isabelle de La Touche fait corps avec cette image : « depuis, elle ne me quitte plus : je suis elle, elle est moi ». Portée par le désir de sublimer ce miracle éphémère, elle l'a métamorphosée. D'abord coulée dans le bronze, la feuille renaît ici sous la forme d'une imposante sculpture en fusion d'aluminium de 160 cm de haut. Aujourd'hui encore, elle danse… silhouette d'argent luttant contre l'inexorable chaleur pour repousser, un peu plus loin, l'instant de sa chute.
coordonnées
www.facebook.com/delatoucheisabelle
www.instagram.com/isabelledelatouche
Cours du Cloître 22, 1323 Romainmôtier
+41 79 210 23 92
jacky
biographie
Dessinateur, brocanteur, et artiste autodidacte depuis 15 ans, Jacques Raemy a toujours été un créateur. Pendant 37 ans, il a dessiné des monte-charges pour l’entreprise Ascenseurs Menétrey à Romont. Des modèles de toutes les formes, souvent du sur-mesure, parfois du cousu main. « Rien ne me faisait peur, j’ai toujours aimé les défis », dit l’homme au melon.
Il explique avoir posé son crayon un beau jour, à 52 ans, et décidé de faire autre chose. « C’est arrivé comme ça, à 17 h. J’avais envie de me lancer dans la brocante ». Il se spécialisera dans la vente de meubles anciens.
Un accident vasculaire cérébral et deux opérations à cœur ouvert manqueront plus tard d’écourter sa vie. Il réapprend à vivre avec l’aide de son épouse Franca. La sculpture prend alors une plus grande importance pour celui qui a désormais de la difficulté à porter des meubles lourds.
l’œuvre exposée
« Rêveuse »
Thématique onirique qui contextualise le passé, le présent et le futur dans une démarche de recyclage des matériaux.
coordonnées
Jod
biographie
Suite à sa formation en Arts Appliqués à L’EAA de Vevey, en Suisse, Jod, de son vrai nom Joël Dewarrat, débute sa démarche artistique qui questionne l’humain, son présent et son devenir au travers d’une approche symboliste. Les différents travaux, prémices de ce propos, le conduiront à créer des pièces uniques pour des expositions collectives thématiques sous l’égide du Centre d’Art Fantastique du Château de Gruyères. C’est un travail pictural qu’il met également en scène afin de lier par le sens, l’image, l’espace et le spectateur. Ses travaux seront exposés en tout ou en partie dans des Art Fair en Suisse, en Italie et aux USA.
Dès lors, dans la volonté d’explorer le potentiel qu’ouvre la diversité des médiums, Jod aborde son sujet de prédilection dans une continuité pluridisciplinaire. Il expérimente l’art performatif par la création de projet comme Born to Be qui produit une performance hybride mariant le son et la vidéo sur la narration du dessin et Antimatière qui travaille en musique le potentiel chorégraphique du geste pictural. Il approche également une version plus immersive de l’expérience performative à travers la création du collectif Ruletka avec lequel il réalise entre autre le projet Snack (LUFF, Lausanne Underground Films Festival). Il explore aussi le narratif de l’objet en travaillant des volumes et installations comme Vanitas (LOW festival), Bunker Pariétal (Biennale Altitudes) et Icare (Art en Plein Air) qui a comme objectif, d’ouvrir thématiquement un questionnement autour de son sujet initial.
Actuellement les divers travaux de Jod, ponctuellement présentés entre la Suisse, Venise, Londres et Paris se dirigent vers une recherche où tout devient symbole que ce soit par la matière, le geste, l’action et l’agencement de l’objet. Il investigue le sens caché en réalisant des pièces qui, dans cette démarche, se définissent comme des moments de lucidité sur le monde, l’Humain et son devenir.
l’œuvre exposée
« Damocles »
Damocles est une installation artistique qui joue sur l’intemporalité de la charge symbolique de ce mythe hellénique. Du choix des matières, de la façon à l’agencement de l’objet, cette œuvre réinterprète la mise en scène du trône et de l’épée, dans un ressenti contemporain. Même si ces archétypes restent de nature identique, Damocles questionne le pourquoi et le comment de leur raison d’être en constante mutation afin d’ouvrir le propos sur ce que devient la mécanique du pouvoir dans la frénésie ambiante du complexe militaro-industriel mondial.
coordonnées
Joël Dewarrat
Chemin de l'Eglise 27, 1618 Châtel-St-Denis
+41 76 541 44 89
JPeg
biographie
Jean-Paul Gobet, — JPeg, pour les intimes — né à Renens, en Suisse, gruérien d'origine, graphiste et fou de Landart, aime consacrer son temps à l’art du Stone Balancing...
C’est lors de l’été 2012, à l’occasion de balades en forêts, longeant les lacs ou les rivières du Jura, qu’il s’essaie à la juxtaposition de beaux cailloux, trouvés sur place. Assez vite, grâce à une dextérité certaine et un sens maîtrisé de la gravité, il en vient à réaliser des sculptures spectaculaires, se plaisant ainsi à révéler les entités propres à ces lieux visités, riches en trésors naturels. Dans ses œuvres, aucune optique de compétition, ni course à la performance du plus grand nombre de pierres équilibrées.
« RocStatera » (du latin « Statera » statique, balance, équilibre) est la définition parfaite du flux créatif exprimé par l’artiste en immersion totale avec la nature.
Au cours de ses créations, JPeg se sent comme absorbé par la pierre : elle parle, vibre, s’empare de tout son être. Plus qu’un hobby, cet art d’équilibrer les roches lui procure des instants particulièrement bénéfiques de lâcher prise et de zénitude. Même s’il arrive parfois que s’installe en lui une certaine fébrilité exaspérée.
Mais quand enfin se dresse la sculpture, surprenante d’improbable équilibre, c’est l’apothéose !
l’œuvre exposée
« RocStatera by Jpeg »
Sept sculptures de pierres naturelles en équilibre, mais pérennisées, aux moyens de carottages et tiges d'acier. Il s’agit de pierres de rivières ou de montagnes, granit.
Les "VIGILANTS" gardiens des lieux,
Sculptures en équilibre à l'origine, elles ont toutes un nom et une histoire.
Sculpture 01 "Valar Morghulis"
Sculpture 02 "Zavius"
Sculpture 03 "Alvar"
Sculpture 04 "Vouivre du Poteux de Leytron"
Les "SENTINELLES" (sculptures 05, 06 & 07) gardiennes des lieux,
Trois sculptures de pierres naturelles en équilibre, pérennisées.
Colorisées par l'artiste peintre Pascal Ash, de Rougemont, spécialiste et créateur de pigments spécifiques, réagissant à la lumière UV.
coordonnées
Jean-Paul Gobet
Chemin de la Saboterie 17, 1186 Essertines-sur-Rolle
+41 79 679 53 75
julien marolf
biographie
Julien Marolf est un sculpteur suisse né en 1972, établi à Lavey-Village (VD) et travaillant à Saint-Maurice (VS). Il apprend le métier de tailleur de pierre et exerce comme sculpteur professionnel depuis 1992.
Son œuvre se distingue par une exploration poétique et parfois ironique des relations entre l’humain, la nature et le monde contemporain. Marolf travaille des matériaux bruts — pierre, béton, métal et bois — qu’il façonne en formes expressives, souvent de grande taille, installées tant en extérieur qu’en galerie.
Il expose régulièrement en Suisse romande, en France et en Allemagne depuis plus de trente ans. Julien Marolf est également cofondateur et président de la Galerie Espace ContreContre à Saint-Maurice, un lieu d’art contemporain, qu’il anime avec d’autres artistes pour promouvoir la création sous diverses formes.
les œuvres exposées
« Déséquilibrés »
Réalisée en béton, Déséquilibrés est une sculpture composée de neuf personnages saisis dans des postures instables. Chacun semble vaciller, perdre ses repères, à l’image d’une société où le sens se brouille et où les individus peinent à comprendre le monde qui les entoure.
Réunis, ces neuf corps en déséquilibre dialoguent entre eux et composent presque une grande danse collective : un mouvement fragile, tendu, oscillant entre chute et harmonie.
« Féerie Asthmatique »
Une communauté de nains se dévoile au détour du paysage. Habilement dissimulés dans leur environnement, ces personnages singuliers naviguent entre humour, mystère et réflexion. Tels des gardiens d’une nature fragilisée, ils interpellent le visiteur et l’invitent à observer autrement le monde vivant. À travers leur présence discrète mais éloquente, ils questionnent la relation entre l’être humain et son environnement, et rappellent la nécessité de préserver les équilibres du vivant.
coordonnées
karen pisoni
biographie
Karen Pisoni est une scénographe suisse-mexicaine basée à Lausanne, formée en design d'interaction (ECAL) et en architecture d'intérieur (HEAD – Genève). Elle explore les frontières entre lumière, espace et matériaux, avec un engagement pour le récit et la durabilité. En 2024, elle a présenté une installation immersive à l'Instituto Svizzero de Milan lors de la Design Week. Fondatrice de Pisoni-lab, elle conçoit des scénographies durables qui donnent une seconde vie aux objets et aux matériaux, mêlant artisanat, design et processus multidisciplinaires.
l’œuvre exposée
« Sparkles »
Sparkles est une installation composée d'une multitude de surfaces réfléchissantes suspendues entre les arbres. Sensibles au vent et à la lumière, elles captent les rayons du soleil et créent des scintillements en constante évolution. Les éléments naturels — vent, soleil, ombres du feuillage — activent l'installation. Inspirée par les reflets mouvants de l'eau, l'œuvre invite le visiteur à ralentir et à contempler les variations subtiles de la lumière dans la forêt.
coordonnées
l'Artmailliste
biographie
Personnalité bien connue de la région, Gérald Chevalley suit une démarche artistique aussi libre qu'altruiste. Celui qui se baptise affectueusement l’Artmailliste — un trait d'union poétique entre l'Art et l'Armailli — a choisi de confier ses œuvres au destin : il rend ses sculptures en bois à la nature ou les offre en échange d'un don à une association. Travaillant sans aucune machine, uniquement guidé par la force de son maillet et la précision de ses gouges, cet artisan de l'instant crée en atelier ou au gré de ses randonnées. Il taille dans le « bois de lune » des totems, des fleurs et des troupeaux qu'il sème en forêt. Si l'on se fait attentif, on peut croiser ses créations au détour d'un sentier, laissées là comme des cadeaux secrets prêts à être adoptés par les promeneurs.
l’œuvre exposée
« La Poya arc-en-ciel »
Cette installation monumentale donne vie à une poya tridimensionnelle, s'étirant sur près de dix mètres de long. Elle se compose d’une vingtaine de vaches en bois sculptées, mesurant chacune une quarantaine de centimètres. Conçue à l'origine avec un collectif de sculpteurs néophytes, l'œuvre refuse de rester figée : ici, les animaux ne sont pas scellés, mais simplement posés sur un chemin de planches et de copeaux. Le public est ainsi chaleureusement invité à prendre part à la création. Petits et grands peuvent déplacer le troupeau, composer leur propre inalpe ou désalpe, immortaliser cet instant éphémère en photo, puis laisser la place à l'imagination du visiteur suivant. Une œuvre vivante qui célèbre la cohésion, la tradition et le jeu.
coordonnées
Gérald Chevalley - Atelier l'Artmailliste
Chemin de la Reraise 36, 1616 Attalens
+41 77 452 30 36
collectif "Sculpture & Nature"
biographie
Collectif en lien avec l'Artmailliste
Pour Loric Pfister, tout commence par hasard il y a six ans, lors d'une rencontre inspirante avec Gérald Chevalley. C’est le coup de foudre pour la sculpture sur bois. Animé par ce nouvel élan, il s'associe rapidement à d'autres passionnés pour peupler les éditions successives de Bosson'Art : des tortues facétieuses en 2020, des totems majestueux en 2022, puis un envol d'oiseaux et de poissons en 2024. En parallèle, ses pas le mènent à sculpter de surprenantes fourmis de bois qui veillent aujourd'hui sur les abords de la cabane de la Budzilyère.
Pour cette nouvelle édition, Loric Pfister unit son savoir-faire au regard de Nolan Roth. Entré dans l’univers de l’image par l’objectif de son téléphone, ce dernier a vu sa passion grandir jusqu’à apprivoiser les boîtiers professionnels et les drones, explorant avec la même curiosité la vivacité de la photographie de rue et les aguets secrets de la vie animalière. Aujourd’hui en première année de CFC de photographe au CEPV à Vevey, Nolan apporte sa sensibilité de la lumière et de la retouche à ce projet à quatre mains, où la rigueur de l'objectif rencontre la poésie brute du burin.
l’œuvre exposée
« Sculpter la lumière »
Cette installation monumentale propose un dialogue inédit entre la matière et l’image, orchestré au sein d’un grand cadre suspendu entre deux arbres. Ici, la sculpture et la photographie se répondent en miroir. Trois figures familières de nos forêts — le hibou, l’escargot et l’oiseau — ont été choisies pour célébrer leur attachement commun aux paysages locaux. Taillées par Loric avec sensibilité dans du bois de mélèze, les sculptures trouvent leur double visuel dans l'œil de Nolan, qui a relevé le défi de capter la présence farouche du hibou. Parfaitement intégrée à la nature environnante, « Sculpter la lumière » suspend les formes et les reflets dans une harmonie sylvestre, invitant le promeneur à contempler la forêt sous un angle nouveau.
coordonnées
luc tiercy
biographie
Recensé à l’Institut suisse pour l’étude de l’art (SIK-ISEA), il bénéficie d’une reconnaissance durable dans les milieux artistiques suisses. Parallèlement à son activité d’enseignant en arts visuels à l’école primaire, il mène une pratique plastique et picturale personnelle, exposée régulièrement en Suisse et à l’étranger. Près de 400 œuvres figurent aujourd’hui dans des collections privées, et une dizaine dans l’espace public.
Son parcours se caractérise par une production foisonnante : environ 900 sculptures, une centaine d’expositions, des concerts en tant que flûtiste et plusieurs installations monumentales, parfois éphémères, en plein air. À cela s’ajoutent des projets artistiques, concours, distinctions, créations scéniques avec le groupe Coup de Théâtre, ainsi que des travaux de scénographie et de mise en scène.
Publications, reportages, interviews et un film documentaire complètent cet ensemble.
l’œuvre exposée
« Diamants de bois »
Ces immenses diamants de bois nous rappellent l’importance et la préciosité de cette matière aux multiples facettes : on utilise l’arbre, véritable poumon de la Terre, pour construire, se nourrir, se protéger, se chauffer, embellir… puis il retourne à la terre.
Depuis la nuit des temps, l’arbre et la nature sont les compagnons de l’homme, parce qu’essentiels - et devraient le rester. Notre survie en dépend.
Blocs de cèdre travaillés sur le thème du diamant brut. Œuvre taillée dans un tronc âgé de 123 ans, d’un diamètre de 120 cm, pour un poids total estimé à 3,5 tonnes (arbre abattu le 16 juillet 2014 à Sézegnin, GE).
Ce travail a été réalisé en collaboration avec Alfred Favre, bûcheron.
coordonnées
marcel dorthe
biographie
Homme de terre et de racines, de ciel et de cimes, Marcel Dorthe est un artiste humble et authentique. Il travaille dans l’atelier de sa maison, La Chapellenie, à Rue.
Créateur autodidacte, il est toujours à la recherche de lumières, de couleurs et d’énergies qui trouvent leur source dans la nature.
Ses œuvres sont exposées chez des particuliers, dans des entreprises et dans des lieux publics.
Il a réalisé plusieurs créations importantes pour des églises : vitraux, peintures, sculptures, mobilier liturgique, etc. Il a su se créer une place de premier plan dans le paysage artistique suisse et fribourgeois.
les œuvres exposées
« Paysage rayonnant »
Cette œuvre originale réunit trois formes d’expression artistique : la sculpture, le tableau et le vitrail. Par le dialogue entre les matières, les volumes, les couleurs et la lumière, elle crée une composition vivante qui évolue selon le regard et les variations lumineuses.
« Plume au vent »
Cette œuvre associe la force et la sobriété de l’acier à la délicatesse de la céramique. Le contraste entre ces deux matériaux, l’un industriel et robuste, l’autre façonné avec finesse, crée un dialogue harmonieux entre puissance et fragilité.
coordonnées
marie-france vuille
biographie
Depuis toute petite, Marie-France manie le crayon. Et c’est naturellement qu’à l’époque, elle s’inscrit aux cours Académique et Beaux-arts. Elle y apprend l’aquarelle, l’huile et le dessin, la sculpture. A l’aide de modèles et autres travaux sur le motif. Sa formation académique se retrouve dans les formulations des personnages, les attitudes, les mouvements. On échange avec les contemporains qui sont ici immortalisés, qu’il nous soit ou non possible de les rencontrer dans la vraie vie. On dialogue avec ces personnages du quotidien qui nous font (re)découvrir des atmosphères et des ambiances d’aujourd’hui, dans un tourbillon de couleurs et de mouvements.
l’œuvre exposée
« Scène de vie en facettes »
Comme un instant saisi au fil du quotidien, cette œuvre capte des fragments de vie qui nous ressemblent. Déclinées en multiples facettes, ces scènes s’entrelacent et se répondent, révélant la richesse et la complexité de notre monde contemporain. Elles interpellent le regard, invitant chacun à reconnaître un geste, une émotion ou un souvenir, dans ce miroir fragmenté de nos existences.
coordonnées
www.instagram.com/mariefrancevuille
www.facebook.com/mariefrance.Vuillel1
Vers les Châteaux 101, 1732 Arconciel
+41 77 211 97 78
mathia gremaud
biographie
Mathia Gremaud (1998) a grandi en Gruyère et étudié à Berne. Profondément attaché à sa région, il ancre sa pratique artistique dans des valeurs locales qu’il confronte à des enjeux globaux. En combinant différentes techniques – performance, vidéo, volume, installation, dessin, écriture ou happening – il développe une approche transversale des disciplines artistiques, nourrie par des questionnements contemporains.
Son travail cherche à déconstruire les idées reçues et les mécanismes qui orientent notre pensée. En détournant les normes et en inversant les attentes, il ouvre des pistes de réflexion alternatives sur des thématiques telles que le capitalisme, les inégalités et les structures de pouvoir. Sa pratique conceptuelle, nourrie de culture populaire et du jeu, mobilise l’ironie et la référence pour produire un langage à la fois critique et accessible, visant à créer des brèches dans les représentations et à inviter à repenser le monde autrement.
l’œuvre exposée
« Cristaux »
Les Cristaux sont une série de sculptures en forme de cristaux de quartz, installées en pleine nature. Elles captent les couleurs de l’atmosphère et, selon les conditions climatiques, se parent parfois de glace ou de givre, devenant des sculptures vivantes en constante transformation. Elles dialoguent avec leur environnement, jouant sur les variations de formes et de couleurs.
coordonnées
matthias pabsch
biographie
Matthias Pabsch vit et travaille à Berlin et dans l'Uckermark, en Allemagne. Il exprime son art à travers la peinture, la sculpture et la photographie. Il a publié des ouvrages sur l'art, l'architecture et l'urbanisme. Il est professeur adjoint à l'université Duke et donne des cours à l'université de Stanford et à l'université de Notre Dame, toutes trois aux Etats-Unis.
l’œuvre exposée
« Bioscapes »
L’installation est composée de deux sculptures en plexiglas colorés et retro illuminés. Chacune est installée dans une des deux meurtrières du grand mur du vestige. Elles tournent autour de leurs axes. En cas d'ensoleillement direct de jour, il y a des projections dans les zones d'ombre des meurtrières. Pendant la nuit, l'installation est éclairée de telle manière qu'une projection se développe dans et autour des meurtrières.
Avec ses Bioscapes, Matthias Pabsch explore la relation entre l'homme et la nature. Les sculptures en verre acrylique entrelacées de manière organique, qui produisent des projections variées, rappellent les formes de la nature tout en évoquant un avenir biologique synthétique possible.
coordonnées
michel riedo
biographie
Né en 1954, Michel Riedo a d’abord enseigné pendant de nombreuses années, puis il est devenu rédacteur. Il présente ses peintures et dessins abstraits, où la trace et surtout la matière souvent composite occupent une place de choix dès 1975, date de sa première exposition. Depuis près de vingt-cinq ans, il s’est orienté vers la sculpture. Ses travaux ont déjà été présentés dans plus d’une cinquantaine d’expositions et il a participé à plusieurs symposiums de sculpture. Quelques œuvres ont trouvé place dans le sentier des sculptures permanent que vous pouvez découvrir à Ependes (FR – aveam.ch). D'autres sont installées ailleurs dans le canton, sur les sentiers Tinguely à Neyruz, à Cottens et à Matran.
l’œuvre exposée
« Sans titre »
Un groupe de triangles escalade le vide qui laisse apparaître le paysage cadré dans une forme créée au centre d’une grande pièce verticale. Une opposition entre en jeu avec une partie dynamique au centre et une autre statique qui dialoguent.
coordonnées
michel-riedo-sculpture.ch
Chemin de la Pudressa 29, 1731 Ependes
+41 77 432 81 07
pascal bettex
biographie
Tout commence en 1953 à Bâle. Le jeune Pascal Bettex, 10 ans, croise la route des œuvres de Jean Tinguely : le coup de foudre est immédiat. Inspiré par ce choc visuel et guidé par une habileté manuelle transmise de génération en génération, il assemble son premier mobile dès l'adolescence. C'est en 1999 que ce passionné de mécaniques anciennes bascule définitivement dans l'art cinétique. Son crédo : détourner des machines agricoles, des machines à coudre à pédale ou de vieilles jantes pour les métamorphoser en sculptures animées et lumineuses. Ses œuvres déjantées captivent les spectateurs de tous âges, projetant des ombres mouvantes et magiques dans l'espace. Qu'il crée en totale liberté ou qu'il réponde à des commandes privées à travers le monde - d'Europe aux USA en passant par la Chine -, Pascal Bettex sculpte le mouvement pour qu'il résonne avec son environnement.
l’œuvre exposée
« Eternel Tinguely »
Réalisé en 2025 pour le centenaire de Tinguely, ce projet immersif prend vie dans une ancienne cabine de grue. Entre rouille, grincements et mécanismes de ferraille, l'esprit du maître est bien là. Pascal Bettex y intègre ses fameux « engrenages impossibles » autour du visage de Tinguely, tandis qu'une cabine téléphonique rouge voisine abrite un jeu cinétique et lumineux. Une mise en scène captivante qui illustre le lien indéfectible reliant l'artiste vaudois à son inspirateur de toujours.
coordonnées
paul estier
biographie
Paul Estier est un artiste Vaudois installé sur la commune de Fiez. Il réalise sa première exposition à l’âge de 20 ans en l’an 2000. Passionné par le travail de l’acier, il ajoute le verre à ses créations en 2015. Il compose ses œuvres intuitivement en dialoguant avec la nature par une pratique alchimique. Ses œuvres sont un passage de la matière au mystérieux, de l’inconscient à la conscience.
l’œuvre exposée
« Cosmogonie »
Il y a un lien direct à vivre entre l’esthétique et l’intuition. On ignore lequel du mythe ou de la conscience fait naître l’autre. En restant connecté, plutôt que d’y percevoir une question insoluble, on trouve l’unité d’un événement unique. Le mythe et la conscience étant une seule et même chose. En ce sens, nous sommes signe de nous-même. Le sens nous précède et nous guide tout à la fois. Ces mots paraissant compliqués, l’émotion n’en sera que mieux traduite par une sculpture réalisée pour cette occasion.
coordonnées
www.facebook.com/groups/233105733518680/
www.instagram.com/sculpture.suisse
Chemin des Oches, 1423 Villars-Burquin
+41 77 450 93 76
pavel schmidt
biographie
Né en 1956, originaire de Bienne, il vit à Soleure. Il grandit et suit sa scolarité entre la Tchécoslovaquie, le Mexique, le Canada et la Suisse. Il étudie ensuite la chimie à l’Université de Berne, avant de s’orienter vers une carrière artistique et académique. Dès 1978, il poursuit des études, puis exerce comme assistant et professeur à l’Académie des beaux-arts ainsi qu’à la Ludwig-Maximilian-Universität de Munich.
Son travail fait l’objet de nombreuses expositions, projets et publications en Europe, aux États-Unis, en Corée du Sud, en Namibie et au Bénin. Sa pratique s’inscrit dans une dynamique internationale, nourrie par des déplacements constants, principalement entre la Suisse, l’Italie, l’Allemagne et la France.
En 1994, il réalise en Pologne, à la Westerplatte de Gdańsk, une première action marquante : l’« extermination » de sept nains de jardin à la dynamite, à l’occasion du 55e anniversaire du déclenchement de la Seconde Guerre mondiale.
l’œuvre exposée
« Cordiaux - les points cardinaux - cardiaques »
Haute de 7 mètres et reposant sur une base de 4 × 4 mètres, cette œuvre est composée de fer, d’acier, de céramique, de pompes à levier, de tampons de train, d’isolateurs et d’un paratonnerre. Elle s’ancre dans l’espace en dialogue avec les quatre points cardinaux, qui en déterminent l’orientation.
Les quatre points cardinaux - nord, sud, est et ouest - sont définis par l’orientation même de la sculpture, qui s’inscrit physiquement dans l’espace et en souligne les axes fondamentaux.
Les quatre saisons - printemps, été, automne et hiver - évoquent le cycle du temps, une temporalité continue qui rythme l’évolution du vivant et des paysages.
Les quatre éléments - l’eau, le feu, la terre et l’air - sont incarnés par les matériaux et dispositifs : les pompes, le paratonnerre, le fer et la céramique. Ils entrent en dialogue, se croisent et parfois s’opposent, formant un nexus, un point de convergence où se tissent causalité et continuum espace-temps.
Les quatre âges de la vie - l’enfance, l’adolescence, l’âge adulte et la vieillesse - renvoient au parcours humain, à ses transformations et à son inscription dans des cycles universels.
De cette construction émergent des tensions entre nature et culture, entre matérialisme et idéalisme. La sculpture devient ainsi un champ de forces, à la fois physique et symbolique, où le monde apparaît comme un système en équilibre instable, traversé de rythmes, de conflits et de transformations.
coordonnées
Zuchwilerstrasse 43, 4500 Soleure
+41 79 772 78 49
rahel elisabeth diethelm
biographie
Rahel Diethelm, née en 1977 à Bâle, est une artiste suisse formée à l’ESAV, l’École supérieure d’art visuel de Genève, où elle étudie de 1998 à 2003. Son parcours s’inscrit dans une pratique artistique ancrée dans le champ de l’art contemporain suisse, avec une présence régulière dans des expositions collectives en Suisse et à l’étranger. Elle a notamment participé à Kunstpanorama à Lucerne et à la Galerie Trittligasse à Zurich en 2003, puis à une exposition à la Galerie Albany, à Westaustralie, en 2004. En 2007 et 2009, elle est présente aux sélections d’Auswahl au Kunsthaus Aarau, avant de prendre part à plusieurs manifestations collectives plus récentes, dont Junge Kunst à la Galerie Sichtbar du GZ Riesbach en 2020, FATart à Schaffhouse en 2021, Chemin culturel à Assens en 2023 et Kunstwerkstube Baden, Baden ist en 2024.
Son travail s’inscrit dans une trajectoire marquée par une activité d’exposition soutenue et par des contextes artistiques variés, allant des institutions reconnues aux formats plus locaux ou expérimentaux. La présence de Rahel Diethelm dans des événements comme FATart ou les projets de la Galerie Sichtbar montre une continuité dans une pratique visible au sein de la scène artistique suisse romande et alémanique.
l’œuvre exposée
«Sans titre»
Il s’agit d’aquarelles réalisées sur les thèmes de la nature, des plantes et des fleurs. Je travaille à partir d'impressions de fleurs et de plantes sur des plaques métalliques, peintes de mémoire. J'utilise beaucoup d'eau, laissant la peinture se diffuser, c'est ainsi que les structures et les formes de la peinture émergent, parfois le hasard prend part au processus ce qui impact le résultat final. Ordre et chaos coexistent, donnant naissance à une œuvre unique, inspirée par la nature.
coordonnées
sara.H
biographie
Née en 1968, à Fribourg en Suisse, et captivée par l’art dès son plus jeune âge, Sara.H s’intéresse très tôt à la peinture, influencée par sa grand-mère restauratrice d’art. La nature et la musique bercent son enfance. A 13 ans déjà, son talent et ses intérêts se profilent pour l’illustration de contes pour enfants qu’elle écrit avec ses sœurs. Puis, encouragée par son entourage autant que par des professionnels, elle expose ses dessins et peintures.
Sa rencontre avec l’artiste DeLaPerouze marque l’ouverture de son premier atelier. A 29 ans, la sculpture devient une nécessité pour son expression artistique. Elle découvre le travail du modelage et le bronze, passionnée par le désir d’insuffler à la matière le fantastique et la magie qu’elle ressent dans la nature, la musique et... la vie. Grâce à sa passion, sa persévérance et sa recherche permanente de la perfection, Sara.H a réussi à créer des œuvres animées d’émotions. « Mon but est d’être toujours plus vraie dans mon art et je pense que cela me prendra bien toute une vie. » explique-t-elle.
L’année 2000 marque la rencontre avec Etienne Chatton, conservateur du Centre International de l’Art Fantastique, dans le Canton de Fribourg, qui lui prodigue ses conseils avisés et l’amène à̀ réaliser des œuvres monumentales. Dès lors, l’atelier est investi de grandes sculptures et les deux artistes s’épaulent dans leurs créations réciproques. Diverses institutions et communes font régulièrement appel à̀ eux pour réaliser des œuvres d’importance. En parallèle, Sara.H collabore avec DeLaPerouze sur différents projets tel des parcs de sculptures accessibles aux personnes aveugles & malvoyantes (www.voir-cest-toucher.ch) ou encore des parcours elfiques. « La sculpture est une musique qui s'écoute avec les yeux et qui se joue du bout des doigts. »
l’œuvre exposée
« Alagos & L'Elfe aux cent oiseaux »
Gwendaiwë (« Jeune fille de la nuit »), l’elfe aux cent oiseaux, veille dans le silence. D’un souffle délicat dans son roseau musical, elle appelle au monde Alagos (« Tempête de vent »), son cheval. Surgi comme porté par l’air, il la rejoint pour s’élancer à ses côtés dans un galop sans bruit.
coordonnées
Sarah Perroud
www.facebook.com/sarahsculpture
www.instagram.com/sara.h_sculptures
Route d'Orbe 9, 1438 Mathod
+41 79 394 00 55
sylvia brühlmann
biographie
Née à Lausanne en 1962, elle explore d’abord l’anthropologie avant de tisser des ponts entre la photographie, la musique et les arts visuels. Sa quête de matière et de relief la conduit ensuite vers la gravure sur cuivre à l’atelier Aquaforte, puis vers la sculpture au sein de l’atelier de Yolande Biver à Pully - deux passions qui vibrent en elle aujourd'hui encore. En 2015, portée par le désir de prolonger cette synergie, elle fonde avec d’anciennes élèves un atelier de sculpture partagé à la Cage aux Moines*. Un lieu habité par le plaisir de l’échange et de la transmission artistique.
l’œuvre exposée
« Les passagères de l’aube »
Façonnées dans un doux mélange de poudre de pierre, de fibres végétales et de résine claire, deux silhouettes de femmes sont agenouillées sur une barque, tenant chacune deux perches. Leurs regards, levés vers le ciel, ouvrent un espace de pure contemplation : que cherchent-elles à deviner, vers quel horizon naviguent-elles ? Cette œuvre mystérieuse fait suite au piroguier qu'elle avait présenté lors de la précédente édition d’Art en Plein Air. Une invitation poétique à suspendre le temps, entre terre, eau et infini.
coordonnées
Route de Pierre-Ozaire 34, 1073 Savigny
+41 79 575 20 50
Y'aq'A
biographie
Lui, il se dit un peu Cro-Magnon. Ce vantard Jimmy Y’aq’A est un homme des bois, pas des cavernes. Profil de bûcheron, esprit et yeux clairs, grosses... « Ici, on crée avec audace, on ose, on se dépasse, impossible n’est pas Y’aq’A ». Cette phrase, tirée du site internet de la galerie éponyme, prend tout son sens lorsqu’on entre dans l’univers de Jimmy et Marylène, les fondateurs. Dans le jardin, on aperçoit une ancienne cabine de remontées mécaniques. Un peu plus loin, on distingue une cafetière italienne géante multicolore, alors que, près de l’entrée, trône une imposante girafe en métal. Des pièces toutes réalisées par Jimmy, qui, une cigarette à la bouche, précise qu’il aime « les pièces utiles. La girafe sert par exemple d’éclairage ».
l’œuvre exposée
« Le temps »
Tombé dans une benne à ferraille et jamais ressorti !
coordonnées